一群摩托车手穿梭在东京霓虹闪烁的夜晚。乘客们在一个巨大的黑色陨石坑旁踩刹车，这个陨石坑是由一次原子弹爆炸造成的。它是如此巨大，以至于它超出了漫画面板，渗透到整个页面。
这是1982年由日本艺术家大tomo Katsuhiro创作的流行科幻漫画《Akira》的开篇。
塔夫茨大学(Tufts University)日本研究教授苏珊纳皮尔(Susan Napier)在接受电话采访时说，“美国人以前从未见过这样的事情。”“《阿基拉》是一个不可思议的后启示录故事，有心理深度和视觉效果。这在某种程度上打破了当时美国漫画的界限。”
与DC漫画和漫威相比，“阿基拉”给人的感觉是颠覆性的和与众不同的。故事讲述的是摩托车帮派头目金田正太郎(Shotaro Kaneda)为拯救他的朋友而战，他的朋友参加了一个秘密的政府项目，该项目对精神儿童进行测试。
1988年，Otomo以动画形式发行了《阿基拉》，这部电影如此细致复杂，以至于动画师们花了数年的时间手工绘制了每一个将故事带入生活的镜头。这部电影现在被广泛认为是邪典经典，扩大了动画在美国和欧洲的影响。
从性、死亡、科幻小说到爱情故事，漫画和动画触及了不同的主题，迎合了所有年龄层和口味。与此同时，《神奇宝贝》(Pokemon)和《龙珠Z》(Dragon Ball Z)等商业大片向世界展示了日本的新形象。
“日本的形象在西方(在1980年代和1990年代早期)是由两个极端:东方化,封建日本武士电影和忍者剑打斗中描述,从日本经济动物和挤进火车和泵随身听和丰田,“Kaichiro Morikawa说道,东京明治大学动漫专家在一次电话采访中。
“日本漫画、动画和游戏的流行给世界注入了一个更人性化、更能引起共鸣的日本和日本人的形象。”
在连续7年的增长之后，动漫产业在创下了2.15万亿日元(198亿美元)的新销售记录，主要是受海外需求的推动。自以来，日本动漫系列和电影的出口增长了两倍——部分得益于Netflix和亚马逊(Amazon)等流媒体巨头的销售——迄今没有任何放缓的迹象。
图画世界的国家
日本是一个拥有丰富的、注重细节的视觉传统的国家。
著名的木版印刷画家葛饰北斋是最早使用manga这个词的艺术家之一(在他的作品集《葛饰北斋漫画》中，首次出版于18)，这个词指的是描绘超自然和世俗的素描。我们今天所知道的漫画出现在20世纪早期的连载漫画漫画出现在日本的杂志和报纸上。
动画产生于20世纪初，当时像Oten Shimokawa这样的日本艺术家开始通过尝试和错误来创作动画短片。但在当时，动画制作成本高昂，日本的作品被迪士尼的成功盖过了风头。
在第二次世界大战期间，随着日本军政府下令动画师制作宣传片以影响大众，这种类型的电影得到了扩展。日本在战争中战败后，动漫产业又发生了转变。
1952年，艺术家德冢修(Osamu Tezuka)发行了《铁臂阿童木》(Astro Boy)，这是一部关于热爱和平的机器人男孩的漫画，他有x光视力和超强的力量。德冢修是看着早期迪士尼动画长大的。
人们对《铁臂阿童木》的兴趣如此之高，以至于Tezuka获得了“漫画之父”的称号，并为1963年的一部关于机器人男孩的动画电影铺平了道路。
《动漫：日本之魂》的作者伊恩康德瑞认为，日本动漫产业的优势在于动漫之间的重叠。
漫画的创作者将漫画作为故事和角色的试验场。这往往是动漫成功的秘诀，”Condry在电话采访中说。
Tezuka的崛起与日本动画产业的海外扩张同步。
上世纪50年代，东映动画工作室(Tezuka在1961年创建竞争对手Mushi Productions公司之前曾在东映动画工作室工作过)开始着眼于成为“东方迪士尼”，并开始向美国出口动画电影。
森川说：“迪士尼早期的这种出口热情是基于其动画电影在全球范围内的成功，同时也基于这样一种假设，即动画电影在西方取得成功的机会要比由亚洲演员主演的真人电影大。”
然而，尽管《铁臂阿童木》在日本引发了上世纪中叶的动画热潮，但要让这种类型的动画风靡美国还需要几十年的时间。
草根现象
伊藤瑞子(Mizuko Ito)说，在上世纪80年代初，主要是来自美国和欧洲的孩子，他们来自日本的军人家庭和移居国外的商人家庭，向他们在国内的同龄人传播动漫的双腿录像带。伊藤瑞子是《不受束缚的粉丝圈：互联世界中的御宅文化》(Fandom Unbound: Otaku Culture In a Connected World)一书的编辑。
《牛仔比波普》(Cowboy Bebop)和《一拳人》(One Punch Man)等未来主义题材的影片也吸引了精通科技的外国人的想象力，这些外国人涉足蓬勃发展的计算机和互联网行业。当他们翻译日本动漫并在网上分发盗版时，消息传开了。
纳皮尔说：“和许多其他文化潮流不同(比如《精灵宝可梦go》)，动漫并不是由一家大公司推出的。”“这是一种流行文化，通过口碑传播而不被注意到。”
20世纪80年代，日本经济蓬勃发展，成为世界第二大经济体，西方国家开设了日语课程，动画和漫画作为教育工具进入了课堂。
与此同时，“御宅族”(geek)文化在日本正变得越来越主流，拥有互联网连接的粉丝们帮助将其传播到世界各地。
年轻的美国人在寻找能够提供新视角的文化产品，对他们来说，日本似乎是一个像《阿基拉》(Akira)一样令人兴奋的地方——它的赛博朋克(cyberpunk)景观和有争议的情节为他们打开了进入另一个审美和心理世界的大门。
纳皮尔表示:“日本文化正以一种美国和欧洲都无法接受的方式，面对更黑暗、更令人兴奋的主题，而且似乎在采用这一方式方面进展较慢。”“(动画)成为填补西方知识空白的一种方式。”
态度的转变
上世纪90年代末，任天堂(Nintendo)、《游戏狂人》(Game Freak)和《精灵宝可梦》(Pokemon)这款以数百种虚构卡通形象为特色的电子游戏系列进入了主流。它在日本以外掀起了一股更大的动漫浪潮。
精灵宝可梦热席卷全球，引发了动画、毛绒玩具和交易卡的连锁热潮，而泡沫黄色的皮卡丘成为美国电视上的主打产品。任天堂1996年发行的游戏《Pokemon Red/Green/Blue》销量超过3100万份，该电视剧已在100多个国家播出。
东京国家艺术中心的策展人Takako Masumi说，全世界对动漫的兴趣甚至改变了人们对日本动漫的态度。
Masumi将日本动漫的日益流行与浮世绘(木刻艺术)从低级艺术形式向高级艺术形式的转变进行了比较。Ukiyo-e最初是用于包装陶瓷，以防止它们在19世纪末出口到国外时断裂。
起初，装饰纸被认为只是废纸。但日本人对浮世绘的态度发生了转变，因为国外的人购买了这些瓷器，并开始收藏和评估用作包装的美丽画作。他们把它重新评价为艺术。
Masumi说，源自这种视觉文化的动画也经历了类似的转变。它最初由动画工作室以低廉的价格销往海外，但很快就悄无声息地传播开来。Masumi说:“它卖得很便宜，但是因为里面的东西很吸引人，它抓住了孩子们的心。”
最终，甚至日本政府也看到了机会。
日本的形象塑造
在日本曾经不可思议的经济在上世纪90年代破产后，日本试图将自己从一个全球商业超级大国重塑为一个独特艺术文化的出口国。
从大规模营销高科技产品，到在从凯蒂猫(Hello Kitty)到寿司等各种产品上进行宣传，日本的重心都发生了变化。
1997年，日本文化厅开始支持有关动漫、电子游戏和媒体艺术的展览。
美国记者道格拉斯·麦克雷在2002年发表的《外交政策》一文中捕捉到了这一转变，他在文中创造了日本的“国民酷总值”一词。麦克雷将其描述为“一种理念，一种提醒，商业趋势和产品，以及一个国家催生这些趋势和产品的能力，可以为政治和经济目的服务。”
软实力——一个国家影响公众和国际观点和价值观的一种方式——已成为当时的秩序。但那时，动画文化已经有了自己的生命。
2001年，吉卜力工作室联合创始人宫崎骏执导的《千与千寻》等影片令全世界为之着迷，观众人数也随之激增。
这部电影已经创造了2.77亿美元的票房，是有史以来票房最高的动画电影，直到新海诚(Makoto Shinkai)的《你的名字》(Your Name)在以3.57亿美元的全球票房位居第二。
宫崎骏被命名为“活着的国宝”，这是日本政府对帮助保护国家文化的个人的表彰。宫崎骏利用了日本的传统和对自然的崇敬，但也触动了全人类的神经。
香港M+博物馆副馆长兼首席策展人钟多云(Doryun Chong)说，动漫的拥趸类似于摇滚乐和好莱坞电影。他在电话中说:“可以说，这是最早也是最广泛的全球化文化之一。”
随着动漫在海外的不断渗透，这个产业可能不再只属于日本。
钟说:“我认为我们可以看到日本以外的媒体、销售网点和生产中心进一步多元化。”“动画拥有令人难以置信的叙事想象力——这是全球成功的关键。”
敬请关注青清时代，每天带给你最新的科技时尚，社会热点。
